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노래하는 소녀들
소년 합창단

가창 또는 노래는 목소리로 노래을 부르거나 연주하는 행위이다. 이는 가장 오래된 음악[a] 표현 형식이며, 사람의 목소리는 최초의 악기라고 할 수 있다.[1] 노래의 정의는 출처에 따라 다양하다.[1] 일부는 노래를 목소리로 음악적 소리를 만드는 행위로 정의하기도 한다.[2][3][4] 다른 일반적인 정의로는 "음조가 있는 연속적인 단어나 소리의 발성"[1] 또는 "사람의 목소리를 통해 음악적 음을 생성하는 것"이 있다.[5]

노래를 직업으로 하는 사람을 가수 또는 재즈·대중음악에서 보컬리스트 또는 판소리에서 소리꾼라고 부른다.[6][7] 가수는 아리아, 레치타티보, 창, 노래 등 다양한 음악을 부르며, 때로는 아카펠라와 같이 악기 없이 혼자 부르기도 하고, 때로는 악기와 함께 부르기도 한다. 노래는 합창과 같이 여러 사람이 함께 부르기도 한다. 가수들은 솔리스트로 공연하거나, 단일 악기(예술 가곡 또는 일부 재즈 스타일)부터 교향악단 또는 빅밴드에 이르기까지 다양한 반주와 함께 공연할 수 있다. 전 세계적으로 많은 노래 스타일이 존재한다.

노래는 격식적이거나 비격식적일 수 있으며, 편곡되거나 즉흥적일 수 있다. 종교적 헌신의 한 형태로, 취미로, 즐거움이나 위안의 원천으로, 의식의 일부로, 음악 교육 중에 또는 직업으로 행해질 수 있다. 노래에 뛰어나기 위해서는 시간, 헌신, 지시, 그리고 꾸준한 연습이 필요하다. 꾸준히 연습하면 소리가 더 선명하고 강해질 수 있다.[8] 전문 가수들은 일반적으로 클래식 음악 또는 록 음악과 같은 특정 음악 장르를 중심으로 경력을 쌓지만, 여러 장르에서 성공한 가수들도 있다. 전문 가수들은 일반적으로 경력 내내 보컬 코치나 음성 교사로부터 음성 훈련을 받는다.

노래는 랩과 혼동되어서는 안 된다. 이들은 같지 않으며 어느 것도 하위 개념이 아니기 때문이다.[9][10][11] 음악 학자이자 랩 역사가인 마틴 E. 코너는 랩은 흔히 노래와 대조되게 정의된다고 말하였다.[12] 랩은 성악의 한 형태이지만, 조성에 같은 방식으로 관여하지 않으며 음높이 정확도를 요구하지 않는다는 점에서 노래와 다르다.[10] 노래와 마찬가지로 랩도 단어와 연결된 리듬을 사용하지만, 이들은 특정 음높이에서 노래하는 대신 말한다.[10] 그로브 음악 온라인은 "미국의 대중음악의 역사적 맥락에서 랩은 아프리카계 미국 영어의 스타일적 화법과 직접적으로 연결될 수 있는 노래의 대안으로 볼 수 있다"고 명시한다.[9] 그러나 일부 랩 아티스트는 음악에서 랩과 노래를 모두 사용하며, 랩의 리듬 있는 말과 노래하는 음정 사이의 전환을 사용하여 청취자의 주의를 끄는 두드러진 대조를 이룬다.[13]

목소리

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물리적 측면에서 노래는 잘 정의된 기술을 가지고 있으며, 이는 공기 공급 또는 풀무 역할을 하는 폐, 리드 또는 진동자 역할을 하는 후두, 관악기의 관처럼 앰프 역할을 하는 가슴, 머리 공동 및 골격, 그리고 증폭된 소리에 자음과 모음을 명확하게 하고 부여하는 기능을 하는 혀와 입천장, 치아, 입술의 사용에 달려 있다. 이 네 가지 메커니즘은 독립적으로 작동하지만, 발성법 확립에 있어 서로 조율되어 상호 작용하도록 만들어진다.[14] 수동 호흡 시 공기는 횡격막으로 흡입되고, 내쉬는 것은 노력 없이 이루어진다. 내쉬는 것은 복근, 내늑간근 및 하부 골반/골반 근육의 도움을 받을 수 있다. 들이쉬는 것은 외늑간근, 사각근, 흉쇄유돌근의 사용으로 도움을 받는다. 음높이는 성대로 조절된다. 입을 다물고 하는 것을 콧노래라고 한다.

각 개인의 노래 목소리는 개인의 성대의 실제 모양과 크기뿐만 아니라 그 사람 몸의 나머지 부분의 크기와 모양 때문에 전적으로 독특하다. 인간은 풀리거나, 조여지거나, 두께가 변할 수 있는 성대 주름을 가지고 있으며, 그 위로 다양한 압력으로 호흡이 전달될 수 있다. 가슴과 목의 모양, 혀의 위치, 그리고 다른 관련 없는 근육의 긴장도가 변경될 수 있다. 이러한 각 동작은 생성되는 소리의 음높이, 음량(음량), 음색, 또는 음조의 변화를 초래한다. 소리는 또한 몸의 다른 부분에서 공명하며, 개인의 크기와 뼈 구조는 개인이 생성하는 소리에 영향을 미칠 수 있다.

가수들은 또한 특정한 방식으로 소리를 내어 성도 내에서 더 잘 공명하도록 배울 수 있다. 이를 보컬 공명이라고 한다. 보컬 사운드와 생성에 대한 또 다른 주요 영향은 후두의 기능인데, 사람들은 다양한 방식으로 후두를 조작하여 다른 소리를 생성할 수 있다. 이러한 다양한 종류의 후두 기능은 다양한 종류의 성구로 설명된다.[15] 가수들이 이를 달성하는 주요 방법은 가수 포먼트를 사용하는 것인데, 이는 귀의 주파수 범위 중 가장 민감한 부분과 특히 잘 일치하는 것으로 나타났다.[16][17]

더 강력한 목소리는 더 두껍고 유체 같은 성대 점막으로 달성될 수 있음도 입증되었다.[18][19] 점막이 유연할수록 공기 흐름에서 성대로의 에너지 전달이 더 효율적이다.[20]

성악 분류

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 이 부분의 본문은 성악 유형 및 비클래식 음악에서의 음성 분류입니다.
성악 음역
남성의 음역
소프라니스트 (Sopranist)
카운터테너 (Counter Tenor)
알토 (Alto)
테너 (Tenor)
테너바리톤 (TenorBaritone)
바리톤 (Baritone)
바리톤베이스 (baritoneBass)
베이스 (Bass)

여성의 음역

소프라노 (Soprano)
메조소프라노 (Mezzo Soprano)
알토 (Alto)

어린이의 음역

보이 소프라노 (Boy Soprano)-남자 어린이만
소프라노 (Soprano)
메조소프라노 (Mezzo Soprano)
알토 (Alto)

유럽 고전 음악과 오페라에서 목소리는 악기처럼 다루어진다. 성악곡을 쓰는 작곡가들은 가수들의 기술, 재능, 성악적 특성에 대한 이해를 가져야 한다. 성악 분류는 사람의 노래하는 목소리를 평가하고 그에 따라 성악 유형으로 지정하는 과정이다. 이러한 특성에는 성악 음역, 음성 무게, 성악 테시투라, 음색 및 목소리 내의 끊김과 상승과 같은 성악 전환점이 포함되지만 이에 국한되지 않는다. 다른 고려 사항으로는 신체적 특성, 말하기 수준, 과학적 테스트 및 성구가 있다.[21] 음성 분류 뒤에 있는 과학은 유럽 클래식 음악 내에서 발전했으며, 더 현대적인 형태의 노래에 적응하는 데는 더디었다. 음성 분류는 종종 오페라 내에서 잠재적 목소리와 가능한 역할을 연결하는 데 사용된다. 현재 독일 파흐 시스템과 합창 음악 시스템을 비롯한 여러 다른 시스템이 클래식 음악 내에서 사용되고 있다. 보편적으로 적용되거나 받아들여지는 시스템은 없다.[22]

그러나 대부분의 클래식 음악 시스템은 7가지 주요 음성 범주를 인정한다. 여성은 일반적으로 세 그룹으로 나뉜다: 소프라노, 메조소프라노, 콘트랄토. 남성은 보통 네 그룹으로 나뉜다: 카운터테너, 테너, 바리톤, 베이스. 사춘기 이전 어린이의 목소리에 관해서는 여덟 번째 용어인 트레블이 적용될 수 있다. 이 각 주요 범주 내에서 여러 하위 범주가 콜로라투라 능력 및 음성 무게와 같은 특정 음성 특성을 식별하여 목소리 간의 차이를 구분한다.[23]

합창 음악 내에서 가수들의 목소리는 전적으로 성악 음역을 기준으로 나뉜다. 합창 음악은 일반적으로 각 성별 내에서 음성 부분을 고음과 저음으로 나눈다(SATB, 또는 소프라노, 알토, 테너, 베이스). 결과적으로 일반적인 합창 상황에서는 오분류가 발생할 기회가 많다.[23] 대부분의 사람들은 중간 목소리를 가지고 있으므로 너무 높거나 너무 낮은 부분에 배정되어야 한다. 메조소프라노는 소프라노나 알토를 불러야 하고, 바리톤은 테너나 베이스를 불러야 한다. 두 가지 옵션 모두 가수에게 문제를 일으킬 수 있지만, 대부분의 가수에게는 너무 높게 부르는 것보다 너무 낮게 부르는 것이 위험이 적다.[24]

현대 음악 형식(때로는 현대 상업 음악이라고도 함) 내에서 가수들은 재즈, 팝, 블루스, 소울, 컨트리, 포크, 록 스타일과 같이 그들이 부르는 음악 스타일로 분류된다. 현재 비클래식 음악 내에는 권위 있는 성악 분류 시스템이 없다. 클래식 성악 유형 용어를 다른 형태의 노래에 적용하려는 시도가 있었지만 그러한 시도는 논란을 불러일으켰다.[25] 음성 범주화의 개발은 가수가 특정 범위 내에서 비증폭(마이크 없음) 음성 생성을 사용하여 클래식 보컬 기술을 사용할 것이라는 이해를 바탕으로 이루어졌다. 현대 음악가들은 다양한 보컬 기술과 마이크를 사용하며 특정 보컬 역할에 맞출 필요가 없으므로 소프라노, 테너, 바리톤 등과 같은 용어를 적용하는 것은 오해의 소지가 있거나 심지어 부정확할 수 있다.[26]

성구

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 이 부분의 본문은 성구 및 파사지오입니다.

성구는 목소리 내의 성구 시스템을 말한다. 목소리 내의 성구는 성대의 동일한 진동 패턴으로 생성되고 동일한 음질을 가지는 특정 일련의 음조를 말한다. 성구는 후두 기능에서 비롯된다. 이는 성대가 여러 다른 진동 패턴을 생성할 수 있기 때문에 발생한다.[27] 이러한 각 진동 패턴은 특정 음높이 범위 내에서 나타나며 특정 특징적인 소리를 생성한다.[28] 성구의 발생은 성대 진동과 성도의 음향적 상호작용의 효과에도 기인한다.[29] "레지스터"라는 용어는 목소리의 여러 측면을 포함하므로 다소 혼란스러울 수 있다. 레지스터는 다음 중 하나를 지칭하는 데 사용될 수 있다.[23]

  • 상위, 중간 또는 하위 성구와 같은 성악 음역의 특정 부분.
  • 흉성 또는 두성과 같은 공명 영역.
  • 발성 과정 (발성은 성대 진동에 의해 음성 소리를 생성하고 성도의 공명에 의해 변형되는 과정이다)
  • 특정 음성 음색 또는 음성 "색깔"
  • 음성 끊김으로 정의되거나 한정되는 목소리 영역.

언어학에서 성조 언어는 성조와 모음 발성을 단일 음운론 시스템으로 결합하는 언어이다. 음성 병리학에서 성구라는 용어는 세 가지 구성 요소를 가진다: 성대의 특정 진동 패턴, 특정 일련의 음조, 그리고 특정 유형의 소리. 음성 병리학자들은 후두 기능의 생리학을 기반으로 네 가지 성구를 식별한다: 보컬 프라이 레지스터, 모달 레지스터, 가성 레지스터, 그리고 휘슬 레지스터. 이 견해는 많은 성악 교육자들도 채택한다.[23]

보컬 공명

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 이 부분의 본문은 보컬 공명입니다.
머리와 목의 단면도

보컬 공명은 발성의 기본 산물이 외부 공기로 향하는 길에 통과하는 공기로 채워진 공동을 통해 음색이나 강도가 증폭되는 과정이다. 공명 과정과 관련된 다양한 용어로는 증폭, 풍부화, 확대, 개선, 강화, 연장이 있지만, 엄격히 과학적인 용법에서는 음향 전문가들이 이들 대부분에 의문을 제기할 것이다. 가수나 화자가 이러한 용어에서 얻을 수 있는 주요 요점은 공명의 결과가 더 좋은 소리가 되거나 되어야 한다는 것이다.[23] 가능한 보컬 공명기로 나열될 수 있는 영역은 7가지이다. 몸 안에서 가장 낮은 곳에서 가장 높은 곳까지 순서대로 이 영역들은 가슴, 척추 기관 트리, 후두 자체, 인간 인두, 인간 구강, 비강, 그리고 부비동이다.[30]

흉성 및 두성

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 이 부분의 본문은 흉성, 두성 및 파사지오입니다.

흉성(胸聲, Chest voice)과 두성(頭聲, Head voice)은 성악에서 사용되는 용어이다. 이 용어의 사용은 성악 교육계 내에서 매우 다양하며, 현재 성악 전문가들 사이에 이 용어에 대한 일관된 의견은 없다. 흉성은 성악 음역의 특정 부분 또는 성구 유형, 성악 공명 영역, 또는 특정 성악 음색과 관련하여 사용될 수 있다.[23] 두성은 성악 음역의 특정 부분 또는 성구 유형 또는 성악 공명 영역과 관련하여 사용될 수 있다.[23] 남성에게서 두성은 일반적으로 가성으로 불린다. 흉성에서 두성으로의 전환 및 이들의 결합은 가수의 공연에서 보컬 믹스 또는 보컬 믹싱이라고 불린다.[31] 보컬 믹싱은 흉성과 두성 사이의 부드러운 전환에 집중하는 아티스트의 특정 양식으로 표현될 수 있으며, 예술적 이유와 보컬 공연 향상을 위해 흉성에서 두성으로의 갑작스러운 전환을 묘사하기 위해 "플립"[32]을 사용하는 아티스트도 있다.

역사 및 발전

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흉성과 두성이라는 용어가 처음 기록된 것은 13세기경으로, 작가 요하네스 데 갈란디아와 모라비아의 제롬이 "목소리"(pectoris, guttoris, capitis—이때 두성은 가성을 의미했을 가능성이 높다)와 구별하면서였다.[33] 이 용어들은 나중에 이탈리아 오페라 창법인 벨칸토에서 채택되었으며, 흉성은 세 가지 성구 중 가장 낮은 성구로, 두성은 가장 높은 성구로 식별되었다: 흉부, 파사지오, 두부 성구.[22] 이 접근 방식은 오늘날 일부 성악 교육자에 의해 여전히 가르쳐지고 있다. 벨칸토 모델을 기반으로 하는 또 다른 현재 인기 있는 접근 방식은 남성과 여성의 목소리를 모두 세 가지 성구로 나누는 것이다. 남성의 목소리는 "흉부 성구", "두부 성구", "가성 성구"로 나뉘고 여성의 목소리는 "흉부 성구", "중간 성구", "두부 성구"로 나뉜다. 이러한 교육자들은 두부 성구가 가수의 머리에서 느껴지는 공명을 묘사하는 데 사용되는 성악 기술이라고 가르친다.[34]

그러나 지난 200년 동안 생리학에 대한 지식이 증가하면서 노래와 발성 과정에 대한 이해도 높아졌다. 그 결과, 인디애나 대학교의 랄프 애플먼과 서던캘리포니아 대학교의 윌리엄 베너드와 같은 많은 성악 교육자들은 흉성 및 두성 용어의 사용을 재정의하거나 심지어 포기했다.[22] 특히, 흉부 성구와 두부 성구라는 용어의 사용은 성구가 오늘날 흉부, 폐, 머리의 생리학과 관련 없는 후두 기능의 산물로 더 흔히 인식되기 때문에 논란이 되었다. 이러한 이유로 많은 성악 교육자들은 흉부나 머리에서 성구가 생성된다고 말하는 것은 무의미하다고 주장한다. 그들은 이 영역에서 느껴지는 진동 감각은 공명 현상이며 성구가 아닌 보컬 공명과 관련된 용어로 설명되어야 한다고 주장한다. 이들 성악 교육자들은 성구라는 용어보다 흉성과 두성이라는 용어를 선호한다. 이 견해는 사람들이 성구 문제로 식별하는 문제들이 실제로는 공명 조절 문제라고 믿는다. 이 견해는 음성 병리학, 음성학, 언어학을 포함한 성구 연구의 다른 학문 분야의 견해와도 일치한다. 비록 두 방법 모두 여전히 사용되고 있지만, 현재의 성악 교육 관행은 더 새롭고 과학적인 견해를 채택하는 경향이 있다. 또한, 일부 성악 교육자들은 두 관점의 아이디어를 모두 취한다.[23]

흉성이라는 용어의 현대적 사용은 종종 특정 종류의 보컬 색깔 또는 보컬 음색을 지칭한다. 클래식 노래에서는 그 사용이 모달 레지스터 또는 정상 음성의 낮은 부분에 전적으로 제한된다. 다른 형태의 노래에서는 흉성이 모달 레지스터 전반에 걸쳐 적용되는 경우가 많다. 흉부 음색은 가수의 보컬 해석 팔레트에 놀라운 다양한 소리를 더할 수 있다.[35] 그러나 고음역에서 너무 강한 흉성을 사용하여 더 높은 음을 흉성으로 치려고 하면 무리하게 될 수 있다. 무리하게 되면 결과적으로 목소리 손상을 초래할 수 있다.[36]

성구: 전환에 대한 일반적인 논의

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파사지오(it|pasˈsaddʒo)는 클래식 노래에서 성악 성구 사이의 전환 영역을 설명하는 데 사용되는 용어이다. 목소리의 파사지(복수)는 흉성, 즉 어떤 가수든 강력한 소리를 낼 수 있는 곳, 중음, 그리고 두성, 즉 침투적인 소리에 접근할 수 있지만 보통 성악 훈련을 통해서만 가능한 곳과 같은 다른 성악 성구 사이에 놓여 있다. 역사적인 이탈리아 성악 학교는 남성 목소리의 프리모 파사지오와 세콘도 파사지오를 조나 디 파사지오를 통해 연결하고, 여성 목소리의 프리모 파사지오와 세콘도 파사지오를 설명한다. 클래식 스타일의 클래식 성악 훈련의 주요 목표는 파사지오 전체에 걸쳐 균일한 음색을 유지하는 것이다. 적절한 훈련을 통해 공명적이고 강력한 소리를 낼 수 있다.

성구와 전환

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성악 파사지오를 제대로 논의하기 위해서는 다양한 성구에 대한 기본적인 이해가 필요하다. 잉고 티체는 자신의 저서 "The Principles of Voice Production"에서 "성구라는 용어는 특정 음높이 및 음량 범위에서 유지될 수 있는 지각적으로 구별되는 성악 음질 영역을 설명하는 데 사용되어 왔다"고 말한다.[37] 교사 및 가수, 연구자, 임상가와 같은 다양한 성악 연구 분야 간에는 용어상의 불일치가 존재한다. 마릴리 데이비드가 지적하듯이, "음성 과학자들은 성구를 주로 음향적 사건으로 본다."[38] 가수들에게는 노래할 때 느끼는 신체적 감각을 바탕으로 성구 현상을 설명하는 것이 더 일반적이다. 티체는 또한 음성 병리학자들과 노래 교사들 사이에 성구에 대해 이야기하는 데 사용되는 용어상의 불일치가 있다고 설명한다.[39] 이 글은 클래식 가수들이 사용하는 용어인 파사지오를 논의하므로, 성구는 음성 병리학이나 과학이 아닌 성악 분야에서 설명하는 방식으로 논의될 것이다.

두성, 중성(혼합성), 흉성으로 묘사되는 세 가지 주요 성구는 인체 내 공명으로 인한 배음 때문에 풍부한 음색을 가진다고 설명된다. 이들의 이름은 가수가 몸에서 이러한 공명 진동을 느끼는 부위에서 유래했다. 흉성 성구는 일반적으로 흉성으로 불리며, 성구 중 가장 낮은 성구이다. 흉성으로 노래할 때 가수는 가슴에서 공명 진동을 느낀다. 이것은 사람들이 말할 때 가장 흔히 사용하는 성구이다. 중성은 흉성과 두성 사이에 위치한다. 두성 성구, 즉 두성은 주요 성구 중 가장 높은 성구이다. 두성으로 노래할 때 가수는 얼굴이나 머리의 다른 부분에서 공명 진동을 느낄 수 있다. 이러한 성구가 목소리에서 어디에 위치하는지는 성별과 각 성별 내의 음성 유형에 따라 달라진다.[40]

두성 위에는 가성과 플라졸렛 성구라는 두 가지 추가 성구가 있다.[41][42] 이러한 성구 내의 음높이에 접근하려면 종종 훈련이 필요하다. 낮은 음역의 남성 및 여성은 이러한 성구에서 거의 노래하지 않는다. 특히 낮은 음역의 여성은 플라졸렛 성구에서 거의 훈련을 받지 않는다. 남성은 흉성 아래에 위치하는 스트로바스라는 한 가지 추가 성구를 가지고 있다. 이 성구에서 노래하는 것은 성대에 부담을 주므로 거의 사용되지 않는다.[43]

성악 교육학

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 이 부분의 본문은 성악 교육학입니다.
에르콜레 데 로베르티: 콘서트,  1490c.

성악 교육학은 노래 가르치기를 연구하는 학문이다. 성악 교육학의 예술과 과학은 고대 그리스에서 시작된 오랜 역사를 가지고 있으며,[44] 오늘날에도 계속 발전하고 변화하고 있다. 성악 교육학의 예술과 과학을 실천하는 직업에는 성악 코치, 합창 지휘자, 성악 교육자, 오페라 감독, 그리고 다른 성악 교사들이 포함된다.

성악 교육학 개념은 적절한 성악 기술을 개발하는 데 중요한 부분이다. 일반적인 연구 분야는 다음과 같다.[45][46]

  • 노래의 물리적 과정과 관련된 해부학 및 생리학
    • 성악과 관련된 성대 건강 및 음성 장애
    • 노래를 위한 호흡 및 공기 지지
    • 발성
    • 보컬 공명 또는 음성 투사
    • 성구: 성대의 동일한 진동 패턴으로 생성되고 동일한 음질을 가지는 특정 일련의 음조로, 후두 기능에서 비롯되며, 각 진동 패턴은 특정 음높이 범위 내에서 나타나고 특정 특징적인 소리를 생성한다.
    • 성악 분류
  • 보컬 스타일: 클래식 가수에게는 가곡에서 오페라에 이르는 스타일을 포함하며, 팝 가수에게는 벨트 블루스 발라드를 포함할 수 있고, 재즈 가수에게는 스윙 발라드 및 스캣을 포함할 수 있다.

성악 기술

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노래하는 동안 성도의 실시간 MRI

적절한 성악 기술로 노래하는 것은 노래의 물리적 과정을 효과적으로 조율하는 통합적이고 협력적인 행위이다. 성악 음성을 생성하는 데에는 호흡, 발성, 공명, 조음의 네 가지 물리적 과정이 관여한다. 이 과정들은 다음 순서로 발생한다:

  1. 숨을 들이쉰다
  2. 후두에서 소리가 시작된다
  3. 성악 공명기가 소리를 받아들이고 영향을 미친다
  4. 조음 기관이 소리를 인식 가능한 단위로 형성한다

이 네 가지 과정은 연구할 때 종종 별도로 고려되지만, 실제로는 하나의 조율된 기능으로 합쳐진다. 효과적인 가수나 화자의 경우, 정신과 신체가 너무나 잘 조율되어 결과적인 통일된 기능만을 인지하기 때문에 관련된 과정을 거의 인식하지 못할 것이다. 많은 발성 문제는 이 과정 내의 조율 부족으로 인해 발생한다.[26]

노래는 조율된 행위이므로 개별 기술 영역과 과정을 다른 것들과 연관시키지 않고 논의하기 어렵다. 예를 들어, 발성은 호흡과 연결될 때만 의미를 갖는다. 조음 기관은 공명에 영향을 미치고, 공명기는 성대에 영향을 미치며, 성대는 호흡 조절에 영향을 미치는 등이다. 발성 문제는 종종 이 조율된 과정의 한 부분의 고장으로 인해 발생하며, 이로 인해 성악 교사들은 문제가 해결될 때까지 학생과 함께 과정의 한 영역에 집중적으로 초점을 맞추는 경우가 많다. 그러나 노래 예술의 일부 영역은 조율된 기능의 결과물이 너무 많아서 발성, 공명, 조음, 호흡과 같은 전통적인 제목 아래에서 논의하기 어렵다.

음성 학생이 노래 행위를 구성하는 물리적 과정과 그 과정이 어떻게 기능하는지 인식하게 되면, 그 과정들을 조율하려는 작업을 시작한다. 필연적으로 학생과 교사는 다른 영역보다 기술의 한 영역에 더 관심을 갖게 될 것이다. 다양한 과정은 다른 속도로 진행될 수 있으며, 그 결과 불균형이나 조화 부족이 발생할 수 있다. 학생의 다양한 기능을 조율하는 능력에 가장 강력하게 의존하는 성악 기술 영역은 다음과 같다.[23]

  1. 성악 음역을 최대한 확장하는 것
  2. 일관된 음질로 일관된 발성 개발
  3. 유연성과 민첩성 개발
  4. 균형 잡힌 비브라토 달성
  5. 음역의 모든 음에서 흉성과 두성 조화[47]

노래하는 목소리 개발

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노래는 고도로 발달된 근육 반사 신경을 요구하는 기술이다. 노래는 많은 근육 힘을 요구하지 않지만, 높은 수준의 근육 협응력을 요구한다. 개인은 노래와 발성 연습을 신중하고 체계적으로 연습함으로써 목소리를 더욱 발전시킬 수 있다. 발성 연습은 다음과 같은 여러 목적을 가진다.[23] 목소리를 예열하고; 성악 음역을 확장하고; 목소리를 수평 및 수직으로 "정렬"하고; 레가토, 스타카토, 다이내믹 제어, 빠른 음형, 넓은 음정 편안하게 노래하기, 트릴 노래하기, 멜리스마 노래하기와 같은 보컬 기술을 습득하고 발성 결함을 교정한다.

성악 교육자들은 학생들에게 지능적인 방식으로 목소리를 훈련하도록 지도한다. 가수들은 노래하는 동안 자신이 어떤 소리를 내고 있는지, 어떤 감각을 느끼고 있는지 끊임없이 생각해야 한다.[26]

노래를 배우는 것은 강사의 참여로부터 이점을 얻는 활동이다. 가수는 다른 사람들이 외부에서 듣는 것과 같은 소리를 머릿속에서 듣지 않는다. 따라서 학생이 어떤 종류의 소리를 내고 있는지 알려줄 수 있는 가이드가 있으면, 학생은 자신이 재현하고자 하는 노래 스타일이 요구하는 원하는 소리에 어떤 내부 소리가 해당하는지 이해하는 데 도움이 된다.

성악 음역 확장

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성악 발달의 중요한 목표는 음질이나 기술의 명백하거나 주의를 산만하게 하는 변화 없이 자신의 성악 음역의 자연적인 한계까지[48] 노래하는 방법을 배우는 것이다. 성악 교육자들은 가수가 노래에 관련된 모든 물리적 과정(예: 후두 동작, 호흡 지지, 공명 조절, 조음 운동)이 효과적으로 함께 작동할 때만 이 목표를 달성할 수 있다고 가르친다. 대부분의 성악 교육자들은 (1) 목소리에서 가장 편안한 테시투라에서 좋은 발성 습관을 확립한 다음 (2) 음역을 천천히 확장함으로써 이러한 과정을 조율한다고 믿는다.[15]

높거나 낮게 노래하는 능력에 크게 영향을 미치는 세 가지 요소가 있다:

  1. 에너지 요소 – "에너지"에는 여러 가지 의미가 있다. 이는 소리를 만드는 데 대한 신체의 전체 반응; 호흡 지지 메커니즘으로 알려진 들이쉬는 근육과 내쉬는 근육 간의 역동적인 관계; 성대에 전달되는 호흡 압력의 양과 그 압력에 대한 저항; 그리고 소리의 동적 수준을 의미한다.
  2. 공간 요소 – "공간"은 입안의 크기, 그리고 입천장과 후두의 위치를 의미한다. 일반적으로 가수의 입은 높이 노래할수록 더 크게 벌어져야 한다. 목의 긴장을 풀면 내부 공간, 즉 연한 입천장과 후두의 위치가 넓어질 수 있다. 성악 교육자들은 이를 "하품의 시작"과 같은 느낌이라고 설명한다.
  3. 깊이 요소 – "깊이"에는 두 가지 의미가 있다. 신체와 발성 메커니즘에서 느껴지는 실제적인 물리적 깊이 감각, 그리고 음색과 관련된 정신적 깊이 개념을 의미한다.

맥키니는 "이 세 가지 요소는 세 가지 기본 규칙으로 표현될 수 있다: (1) 더 높게 노래할수록 더 많은 에너지를 사용해야 한다; 더 낮게 노래할수록 더 적게 사용해야 한다. (2) 더 높게 노래할수록 더 많은 공간을 사용해야 한다; 더 낮게 노래할수록 더 적게 사용해야 한다. (3) 더 높게 노래할수록 더 많은 깊이를 사용해야 한다; 더 낮게 노래할수록 더 적게 사용해야 한다"고 말한다.[23]

자세

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노래 과정은 신체의 특정 물리적 조건이 갖춰져 있을 때 가장 잘 기능한다. 공기가 몸 안팎으로 자유롭게 이동하고 필요한 양의 공기를 얻는 능력은 호흡 메커니즘의 다양한 부분의 자세에 의해 심각하게 영향을 받을 수 있다. 움푹 들어간 가슴 자세는 폐의 용량을 제한하고, 긴장된 복벽은 횡격막의 하강을 억제한다. 좋은 자세는 호흡 메커니즘이 불필요한 에너지 소모 없이 기본 기능을 효율적으로 수행할 수 있도록 한다. 좋은 자세는 또한 신체의 불필요한 긴장을 방지하여 발성을 시작하고 공명기를 조율하는 것을 더 쉽게 만든다. 성악 교육자들은 또한 가수가 좋은 자세를 취할 때 공연 중 자신감과 침착함을 더 느끼게 된다는 점에 주목했다. 청중도 좋은 자세를 가진 가수들에게 더 잘 반응하는 경향이 있다. 습관적인 좋은 자세는 또한 더 나은 혈액 순환을 가능하게 하고 신체의 피로와 스트레스를 예방함으로써 궁극적으로 전반적인 신체 건강을 향상시킨다.[15]

좋은 노래 자세는 일반적으로 최적의 호흡 지지 및 공명을 위해 정렬된 척추, 이완된 어깨, 균형 잡힌 자세를 포함한다. 이상적인 노래 자세에는 여덟 가지 구성 요소가 있다.

  1. 발은 약간 벌린다
  2. 다리는 곧게 펴되 무릎은 약간 구부린다
  3. 엉덩이는 똑바로 앞으로 향하게 한다
  4. 척추는 정렬한다
  5. 복부는 평평하게 한다
  6. 가슴은 편안하게 앞으로 내민다
  7. 어깨는 내리고 뒤로 젖힌다
  8. 머리는 똑바로 앞으로 향하게 한다

호흡 및 호흡 지지

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자연스러운 호흡은 숨을 들이쉬는 기간, 숨을 내쉬는 기간, 그리고 휴식 또는 회복 기간의 세 단계를 가지며, 이 단계들은 보통 의식적으로 조절되지 않는다. 노래에서는 호흡의 네 단계가 있다: 숨을 들이쉬는 기간(흡입); 조절을 설정하는 기간(정지); 조절된 내쉬는 기간(발성); 그리고 회복 기간.

이러한 단계는 조건 반사가 될 때까지 가수에 의해 의식적으로 조절되어야 한다. 많은 가수들은 반사 신경이 완전히 조건화되기 전에 의식적인 조절을 포기하며, 이는 궁극적으로 만성적인 발성 문제로 이어진다.[49]

비브라토

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비브라토는 지속되는 음이 높은 음과 낮은 음 사이를 매우 빠르고 꾸준하게 흔들리게 하여 음에 약간의 떨림을 주는 기술이다. 비브라토는 지속되는 음의 맥박 또는 파동이다. 비브라토는 자연적으로 발생하며, 적절한 호흡 지지와 이완된 발성 기관의 결과이다.[50] 일부 연구에서는 비브라토가 성대 내의 신경근 떨림의 결과임을 보여주었다. 1922년 맥스 쇤은 진폭 변화, 자동 제어 부족, 그리고 정상 근육 방출 속도의 절반이라는 점 때문에 비브라토를 떨림과 비교한 최초의 인물이었다.[51] 비브라토는 일반적으로 클래식, 재즈 및 대중 가요 스타일에서 표현 수단으로 사용되며, 종종 더 풍부한 음색에 기여한다.

확장된 성악 기술

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확장된 성악 기술에는 랩, 스크리밍, 그로울링, 배음, 슬라이딩, 가성, 요들, 벨팅, 보컬 프라이 레지스터 사용, 음향 보강 시스템 사용 등이 포함된다. 음향 보강 시스템은 마이크, 신호 처리 장치, 앰프, 확성기의 조합이다. 이러한 장치들의 조합은 리버브, 에코 챔버 및 오토튠과 같은 다른 장치들도 사용할 수 있다.

성악

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성악은 한 명 이상의 가수가 연주하는 음악으로, 일반적으로 노래라고 불리며, 악기 반주가 있거나 없을 수 있으며, 노래가 작품의 주요 초점이 된다. 성악은 목소리 외에 어떤 악기나 장비도 필요하지 않으므로 가장 오래된 음악 형태일 것이다. 모든 음악 문화에는 어떤 형태의 성악이 존재하며, 전 세계 문화에는 많은 오래된 노래 전통이 있다. 노래를 사용하지만 눈에 띄게 특징으로 삼지 않는 음악은 일반적으로 기악곡으로 간주된다. 예를 들어, 일부 블루스 록 노래는 짧고 간단한 콜-앤-리플라이 코러스를 가질 수 있지만, 노래의 중점은 기악 멜로디와 즉흥 연주에 있다. 성악은 일반적으로 노랫말이라는 가사를 특징으로 하지만, 비어휘음이나 소음, 때로는 음악적 의성어를 사용하여 연주되는 성악의 주목할 만한 예도 있다. 가사가 있는 짧은 성악 작품은 광범위하게 노래라고 불리지만, 클래식 음악에서는 일반적으로 아리아와 같은 용어가 사용된다.

성악 장르

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2016년 베르발 홀에서 공연하는 여성 트리오

성악은 다양한 형태와 스타일로 작곡되며, 종종 특정 음악 장르 내에서 분류된다. 이러한 장르에는 대중음악, 예술 음악, 종교 음악, 세속가곡, 그리고 이러한 장르들의 융합이 포함된다. 이러한 더 큰 장르 내에는 많은 하위 장르가 있다. 예를 들어, 대중음악은 블루스, 재즈, 컨트리 음악, 이지 리스닝, 힙합, 록 음악 및 기타 여러 장르를 포함할 수 있다. 재즈에는 보칼리즈 및 스캣과 같은 하위 장르 내의 하위 장르도 있을 수 있다.

대중음악 및 전통 음악

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많은 현대 팝 밴드에서는 리드 보컬리스트가 노래의 주요 보컬 또는 선율을 부르며, 백업 가수는 백업 보컬 또는 노래의 화음을 부른다. 백업 가수들은 노래의 일부만 부르지만, 보통 노래의 후렴구에서만 부르거나 배경에서 콧노래를 부른다. 예외는 5성부 복음성가 아카펠라 음악으로, 리드는 5성부 중 가장 높은 음역을 맡아 데스칸트를 부르며 선율을 부르지 않는다. 일부 아티스트는 녹음된 보컬 트랙을 겹쳐 녹음된 오디오에서 리드 보컬과 백업 보컬을 모두 부르기도 한다.

대중음악은 다양한 보컬 스타일을 포함한다. 힙합은 비트 위에 또는 무반주로 압운을 리듬감 있게 전달하는 랩을 사용한다. 일부 유형의 랩은 자메이카의 "토스팅"처럼 대부분 또는 전적으로 말하기와 챈팅으로 구성된다. 일부 유형의 랩에서는 연주자가 짧게 노래하거나 반쯤 노래하는 부분을 삽입할 수 있다. 블루스 노래는 블루 노트 사용에 기반을 둔다. 블루 노트는 표현을 위해 장음계보다 약간 낮은 음높이로 부르는 음이다. 헤비 메탈 및 하드코어 펑크 하위 장르에서는 보컬 스타일이 스크리밍, 외침, "데스 그로울"과 같은 특이한 소리와 같은 기술을 포함할 수 있다.

대중음악 장르와 클래식 장르의 라이브 공연의 한 가지 차이점은 클래식 연주자들은 종종 소형에서 중형 홀에서 음향 증폭 없이 노래하는 반면, 대중음악에서는 작은 카페에서도 거의 모든 공연 장소에서 마이크와 PA 시스템(앰프와 스피커)이 사용된다는 것이다. 마이크 사용은 대중음악에 여러 영향을 미쳤다. 한편으로는 마이크 없이 할 경우 충분한 음량과 투사가 불가능했을 "크루너"와 같은 친밀하고 표현력이 풍부한 노래 스타일의 발전을 촉진했다. 또한 마이크를 사용하는 팝 가수들은 속삭이는 소리, 콧노래, 반쯤 노래하거나 노래하는 톤을 혼합하는 등 음향 증폭 없이 투사되지 않는 다양한 다른 보컬 스타일을 사용할 수 있다. 또한 일부 연주자들은 마이크의 응답 패턴을 사용하여 효과를 만드는데, 예를 들어 마이크를 입에 매우 가까이 대어 향상된 베이스 응답을 얻거나, 힙합 비트박스의 경우, 마이크에 파열음 "p"와 "b" 소리를 넣어 타악기 효과를 만든다. 2000년대에는 녹음 및 라이브 대중음악 보컬에 오토튠 피치 보정 장치가 광범위하게 사용되는 것에 대한 논란이 발생했다. 논란은 또한 팝 가수들이 자신들의 보컬 공연의 사전 녹음된 녹음에 립싱크를 하거나, 논란이 많은 밀리 바닐리의 경우, 다른 비공개 가수들이 녹음한 트랙에 립싱크를 한 사례로 인해 발생했다.

일부 밴드는 무대에 있을 때만 노래하는 백업 가수를 사용하지만, 대중음악에서 백업 가수들이 다른 역할을 하는 것은 흔한 일이다. 많은 록 음악 및 메탈 밴드에서 백업 보컬을 하는 음악가들은 리듬 기타, 일렉트릭 베이스 또는 드럼과 같은 악기를 연주하기도 한다. 라틴 또는 아프리카-쿠바 그룹에서는 백업 가수들이 노래하면서 타악기나 셰이커를 연주할 수 있다. 일부 팝 및 힙합 그룹과 뮤지컬 극장에서는 백업 가수들이 헤드셋 마이크를 통해 노래하면서 정교하게 안무된 댄스 루틴을 수행해야 할 수도 있다.

직업

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보컬리스트의 급여와 근무 조건은 크게 다르다. 음악 교육 합창단 지휘자와 같은 다른 음악 분야의 직업은 정규직, 정규직 급여를 받는 경향이 있는 반면, 노래 직업은 개별 쇼나 공연, 또는 일련의 쇼에 대한 계약을 기반으로 하는 경향이 있다.

가수 지망생들은 음악적 기술, 뛰어난 목소리, 사람들과 함께 일하는 능력, 그리고 쇼맨십과 드라마 감각을 갖춰야 한다. 또한, 가수들은 끊임없이 공부하고 향상시키려는 야망과 추진력을 가져야 한다.[52]

전문 가수들은 기술을 연마하고, 음역을 확장하며, 새로운 스타일을 배우기 위해 성악 코치를 계속 찾는다. 또한, 가수 지망생들은 노래를 해석하는 데 사용되는 성악 기술에 대한 전문 기술을 습득하고, 자신이 선택한 음악 스타일의 성악 문헌에 대해 배우며, 합창 음악 기술, 시창 및 노래 암기, 그리고 발성 연습에 대한 기술을 습득해야 한다.

일부 가수들은 작곡, 음악 프로듀싱, 작곡과 같은 다른 음악 관련 직업을 배운다. 일부 가수들은 유튜브와 스트리밍 앱에 비디오를 올린다. 가수들은 음악 감독 앞에서 오디션을 통해 자신의 보컬 재능을 구매자들에게 홍보한다. 훈련받은 성악 음악 스타일에 따라, 그들이 찾는 "재능 구매자"는 음반 회사, A&R 담당자, 음악 감독, 합창단 지휘자, 나이트클럽 매니저, 또는 콘서트 프로모터일 수 있다. 보컬 공연 발췌본이 담긴 CD 또는 DVD는 가수의 기술을 시연하는 데 사용된다. 일부 가수들은 유료 공연 및 기타 공연 기회를 찾는 데 도움을 줄 에이전트 또는 매니저를 고용한다; 에이전트 또는 매니저는 종종 가수가 무대에서 공연하여 얻는 수수료의 일정 비율을 받는다.

노래 경연 대회

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 음악 경연 대회 문서를 참고하십시오.

노래를 선보이는 여러 텔레비전 프로그램들이 있다. 1990년대 이후, Sa Re Ga Ma Pa (인도), 아메리칸 아이돌 (미국), The Voice (국제 프랜차이즈)와 같은 TV 노래 경연 대회는 보컬 재능을 발굴하고 홍보하는 인기 있는 형식이 되었다. 아메리칸 아이돌은 2002년에 시작되었다. 최초의 노래 리얼리티 쇼는 Zee TV에서 1995년에 시작한 사 레 가 마 파였다.[53] 아메리칸 아이돌 참가자들은 심사위원단 앞에서 오디션을 보고 할리우드 다음 라운드로 진출할 수 있는지 확인한 다음, 경쟁이 시작된다. 참가자들은 매주 줄어들어 우승자가 선정된다. 다음 라운드로 진출하려면 참가자들의 운명은 시청자들의 투표로 결정된다. 더 보이스는 또 다른 노래 경연 프로그램이다. 아메리칸 아이돌과 유사하게, 참가자들은 심사위원단 앞에서 오디션을 보지만, 심사위원 의자는 공연 중 관객을 향하게 되어 있다. 코치들이 아티스트에게 관심이 있다면, 그들은 그들을 코치하고 싶다는 의미로 버튼을 누른다. 오디션이 끝나면 코치들은 자신의 아티스트 팀을 구성하고 경쟁이 시작된다. 코치들은 아티스트들을 멘토링하며 최고의 가수를 찾기 위해 경쟁한다. 다른 잘 알려진 노래 경연 대회로는 더 엑스 팩터, 아메리카 갓 탤런트, 라이징 스타 및 The Sing-Off가 있다.

노래 경연 대회의 다른 예로는 돈 포겟 더 릭스!가 있는데, 이 프로그램은 참가자들이 다양한 장르의 노래 가사를 정확하게 기억하여 현금 상품을 놓고 경쟁한다. 이 프로그램은 미학적으로 즐거운 방식으로 노래하거나 춤출 수 있는 능력과 같은 예술적 재능이 참가자의 우승 가능성과 무관하다는 점에서 다른 많은 음악 기반 게임 쇼와 대조된다. 첫 방송 전 광고 중 하나에 따르면, "잘 부를 필요는 없습니다; 제대로 부르기만 하면 됩니다." 비슷한 맥락으로, 더 싱잉 비는 가라오케 노래와 스펠링 비 스타일의 경쟁을 결합하여, 참가자들이 인기 있는 노래의 가사를 기억하려고 노력하는 쇼이다.

노래와 언어

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모든 구어, 자연어 또는 비자연어는 음높이, 구절, 악센트를 통해 노래에 영향을 미치는 고유한 음악성을 가지고 있다.

미국 수화: 예술적 노래 수화

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노래 가사를 미국 수화(ASL)로 번역하는 예술적 수화 통역사, 즉 수화 통역사는 기존 수화를 수정하고, 수화의 세 가지 기본 매개변수에서 새로운 수화를 만들고, 일반적인 수화 공간을 조작하여 "리듬, 음높이, 구절, 음색"을 의도적으로 표현할 수 있다.[54] 또한, 예술적 수화 통역사는 "청각 장애인, 청인 또는 난청인"일 수 있으며, 리한나의 2023년 슈퍼볼 하프타임 쇼 공연을 ASL로 통역한 청각 장애인 공연자 저스티나 마일스와 유튜브에서 수화 노래를 만든 청인 스티븐 토렌스가 그 예이다.[54][55]

신경학적 측면

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최근 음악과 언어, 특히 노래 사이의 연관성에 대한 많은 연구가 이루어졌다. 이 두 과정이 매우 유사하면서도 다르다는 것이 점점 더 명확해지고 있다. 레비틴은 고막에서 시작하여 음파가 음높이, 즉 음향 지도로 번역된 다음 곧 "언어와 음악은 아마도 별도의 처리 회로로 분기될 것"이라고 설명한다(130).[56] 영아기에는 음악과 언어에 사용되는 신경 회로가 미분화된 상태로 시작될 수 있다는 증거가 있다. 언어와 음악 모두에 사용되는 뇌의 여러 영역이 있다. 예를 들어, 구어 및 수화 언어의 통사론 처리뿐만 아니라 음악적 통사론 및 언어의 의미적 측면에 관여하는 브로드만 영역 47이 있다. 레비틴은 특정 연구에서 "음악을 듣고 그 통사적 특징에 주의를 기울이는 것"이 언어의 통사적 과정과 유사하게 뇌의 이 부분을 활성화시켰다고 언급한다. 또한, "음악적 통사론은 ... 브로카 영역과 같이 언어 통사론을 처리하는 영역에 인접하고 겹치는 영역에 ... 국한되어 있는 것으로 밝혀졌다"고 말하며 "음악적 의미론에 관여하는 영역은 ... 베르니케 영역 근처에 [국한되어 있는 것으로] 보인다." 브로카 영역과 베르니케 영역은 모두 언어 처리 및 생성의 중요한 단계이다.

노래는 뇌졸중 환자의 언어 회복에 도움이 되는 것으로 나타났다. 신경학자 고트프리트 슐라그에 따르면, 좌뇌에 있는 언어 영역에 해당하는 영역이 뇌의 우측에 존재한다.[57] 이것은 비공식적으로 "노래 센터"로 알려져 있다. 뇌졸중 환자에게 단어를 노래하도록 가르침으로써 뇌의 이 영역을 언어 훈련에 사용할 수 있다. 이 이론을 지지하며 레비틴은 언어와 같은 "지역 특이성"은 "일시적일 수 있으며, 중요한 정신 기능의 처리 센터는 외상이나 뇌 손상 후 실제로 다른 지역으로 이동한다"고 주장한다.[56] 따라서 뇌의 우뇌에 있는 "노래 센터"는 재훈련되어 언어 생성을 돕는 데 사용될 수 있다.[58]

악센트와 노래

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사람의 말하는 방언이나 억양은 노래할 때 사용하는 일반적인 노래 억양과 크게 다를 수 있다. 사람들은 노래할 때 지역 억양이나 방언 대신 자신이 부르는 음악 스타일에서 사용되는 억양이나 중립적인 억양을 사용하는 경향이 있다. 음악 스타일과 스타일의 인기 있는 중심/지역이 사람의 노래 억양에 출신지보다 더 많은 영향을 미친다. 예를 들어, 영어에서 록이나 대중음악을 부르는 영국 가수들은 영어 억양 대신 미국 억양이나 중립적인 억양으로 노래하는 경우가 많다.[59][60]

기타

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  • 조선에서는 문무신이 유럽에서는 왕족과 귀족(또는 정치인이나 재벌)이 노래를 부르지 않았다. 품위가 떨어진다는 이유이다. 또한, 노래를 부르는 입장이 아니라 감상을 하는 입장이었기 때문이다. 그 예시가 오페라이다. 다만, 오페라 성악은 귀족들이나 석좌교수, 정치인들도 취미 삼아했다. 기존 대중음악이 아닌 클래식 음악이었기 때문에 천하게 여겨지지 않았다. 본래 밤의 여왕 아리아는 여성 귀족이 불렀던 오페라 음악이다.

같이 보기

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예술 음악

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기타 음악

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생리학

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각주

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내용주

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  1. ↑ 음악의 정의는 "박자, 가락, 음성 따위를 갖가지 형식으로 조화하고 결합하여, 목소리나 악기를 통하여 사상 또는 감정을 나타내는 예술."으로 가창, 노래는 이에 부분집합적 개념이다.

출처주

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추가 문헌

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  • Reid, Cornelius. A Dictionary of Vocal Terminology: an Analysis. New York: J. Patelson Music House, 1983. ISBN 0-915282-07-0

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